Эдвард мунк (edvard munch) — биография, новости, личная жизнь

Женская смерть как чувственное и эстетическое

Пожалуй, никто так не любил тему смерти, как романтики. В своем искусстве они стремились убежать от пресной реальности и всеобъемлющего разочарования в экзотические страны, мир прошлого, опиумные грезы или даже на тот свет.

Мертвые женские тела в эпоху романтизма максимально эстетизируются и эротизируются. Как правило, это жертвы природных катастроф или трагической любви, которую так превозносили поэты и художники.В картине Карла Брюллова «Последний день Помпеи» образ мертвой женщины является центром композиции.

В 1828 году художник в письме к брату Федору поясняет:

Несмотря на разворачивающуюся катастрофу, тело мертвой героини белоснежно и соблазнительно, а также обнажено в нужных местах; разметавшиеся по земле черные косы добавляют образу чувственности. Нет ни ран, ни следов ушибов, ничего, что могло бы обезобразить ее безупречную красоту.

Карл Брюллов, «Последний день Помпеи», 1833 год

Неподвижность безжизненного тела умножает присущую в патриархальном обществе женщине пассивность и, как это ни странно, увеличивает его эротизм. Лишенная всех сил, кроме своей красоты, женщина становится объектом, который с наслаждением разглядывает зритель-мужчина.

Крамской Иван Николаевич нарисовал невесту друга

Матрёну художник знал лично. Однажды, посетив в Петербурге своего друга, дворянина Бестужева, он увидел, как в квартиру буквально ввалилась темноволосая девушка. Она сообщила своему мужу Бестужеву, что виделась с некоей госпожой — бывшей подругой семьи. После этого довольно добавила, что проехала в карете мимо, не поздоровавшись.

В жилах Матрёны Саввишны текла крестьянская кровь. Бестужев приметил девушку на одном приёме. После этого он уговорил её хозяйку отпустить крестьянку в город. Бестужев даже женился на девушке. Однако брак счастья не принёс. Молодой дворянин попытался дать образование Матрёне, но её больше интересовали развлечения.

Не выдержав жизни с необразованной крестьянкой, Бестужев отправил её обратно в деревню. Но Матрёне Саввишне вернуться домой было не суждено. По дороге она заболела. Девушка умерла на одной из железнодорожных станций. Крамскому настолько запомнился образ черноволосой девушки, что он нарисовал её портрет. На картине она едет на санях мимо старой знакомой, одаривая её высокомерным взглядом.

Смерть скупца: Иероним Босх, 1490

Показывая жестокие мучения умирающего, один из великих художников Босх осуждает скупость — один из самых страшных смертных грехов. Своим полотном мастер пытается донести до зрителя идею о том, что скупой человек, умирая, не будет знать покоя и покаяния, одолеваемый мыслями о своем богатстве.

Смерть скупцаИероним Босх

Вероятно, произведение было написано для украшения одной из створок алтаря в католическом храме. Об этом говорит своеобразная композиция картины, ориентированная по диагонали.

Смерть человека, запертого в маленькой комнате и постоянно тревожащегося за свое богатство, не вызывает сочувствия; скорее, образ скупого вызывает отвращение и горячее осуждение.

Данте и Вергилий в аду: Вильям Бугро, 1850

Полотно написано на сюжет знаменитой «Божественной комедии» Данте. Итальянского автора эпохи Возрождения. Бугро, один из основоположников французского романтизма, изображает экспрессиуню, яростную борьбу двух душ, которые были прокляты.

Данте и Вергилий в адуАдольф Вильям Бугро

Эта душа Джанни Скикки, который попал в ад за обмен с целью личного обогащения, и алхимик-еретик Капоккио. Анализируя картину, следует отметить гармоничное и пропорциональное строение хорошо сложенных мужских тел, в соответствии с канонами классической живописи. Один мужчина в отчаянии грызет и кусает второго. Основной мотив картины — отчаяние и ярость.

Смертоносный реализм

В XVII веке, благодаря влиянию того же Караваджо, в европейском искусстве распространяется реализм. Нидерландские художники охотно подхватывают идею изображения повседневной жизни и бойко осваивают бытовой жанр, не забывая и об опыте предшественников вроде Брейгеля. Смерть теперь не только аллегория или литературный сюжет, но и конкретное состояние отдельно взятого человека.

Неизвестный художник, фламандская школа, «Молодая женщина на смертном одре», около 1621 года, Музей изящных искусств, Руан

Этот загадочный портрет молодой женщины двадцати пяти лет был написан через два часа после ее кончины, о чем свидетельствует надпись на обороте.Картина не имеет никакой религиозной основы, очевидно, что художник старался с присущим ему реализмом изобразить истощенное тело, которое до последнего боролось за жизнь и угасло буквально несколько мгновений назад.

Автор полотна и личность модели окутаны тайной. Существовала версия, что работу создал выдающийся фламандский портретист Корнелис де Вос, а изображенная женщина — его жена, однако есть свидетельство, что спустя год после написания картины мадам де Вос была жива.

Некоторые исследователи полагают, что мертвая девушка принадлежит к королевскому роду — об этом говорят ее роскошная сорочка и расшитое гербами одеяло. Но вряд ли нам когда-нибудь суждено узнать, кто она и отчего умерла.

Смерть как художественный проект Ханны Уилке

Американская художница-провокатор Ханна Уилке исследовала вопросы женственности, сексуальности и феминизма. Она создавала скульптуры в виде вагин, придумывала перформативные автопортреты и использовала свое тело как объект искусства. Но главной ее работой бесспорно можно считать проект Intra-Venus.

Ханна Уилке, серия SOS, 1974 год, частная коллекция

В начале 1990-х Уилке диагностировали лимфому. Тогда же художница начала работать над серией фотографий, отражающей все этапы лечения и трансформации тела, которые ей пришлось пройти.

Ранее феминистки обвиняли Уилке в гламуризации и нарциссизме — она словно специально эксплуатировала свою красоту и объективировала саму себя. Тем страшнее и поразительнее было видеть, с какой детальной беспощадностью в Intra-Venus художница фиксирует постепенное разрушение своей привлекательности и приближающийся конец.

Само название Intra-Venus — игра слов, отсылающая, с одной стороны, к внутренней Венере — богине красоты, с другой — к слову «внутривенный», ассоциирующемуся с бесконечными сеансами химиотерапии, которые пришлось пережить художнице.

Смерть

Художник обладал слабым здоровьем, однако в 1918 году переборол «испанку», которая погубила миллионы людей. В 1930 году почти ослеп из-за кровоизлияния в стекловидное тело правого глаза, но не бросил занятия живописью.

Эдвард Мунк на смертном одре

Спустя месяц после своего 80-го дня рождения, в 1944 году, художник скончался. Его посмертное фото хранится в Музее Мунка в Осло.

После смерти экспрессиониста все картины были переданы государству. Тысячи масляных полотен и гравюр сегодня составляют основную экспозицию Музея Мунка.

Музей Эдварда Мунка

Упоминания о художнике встречаются в художественных книгах и фильмах. Так, в 1974 году вышел фильм «Эдвард Мунк», рассказывающий о годах становления экспрессиониста.

Грузинское проклятие картины и незнакомки

Вторая женская история ещё печальнее. В конце XIX века к Крамскому случайно попал медальон. Открыв его, он увидел темноволосую грузинку. К тому моменту восточной красавицы уже не было в живых. Но художнику удалось выяснить подлинную историю жизни неизвестной.

Мария Федоровна, вдова Павла I, выписала себе из Грузии фрейлину с нежной внешностью. Варвара Туркестанова хорошо прижилась во дворе. Милое лицо с прямыми чертами и острый ум выделяли её среди других фрейлин. Варвара стремилась укрепить своё положение в обществе, поэтому начала оказывать знаки внимания Александру I. Император не устоял перед чарами восточной красавицы.

В этот же момент на Варвару обратил внимание князь Владимир Голицын. Движимый духом состязания, он втянул девушку в любовный треугольник

Вскоре Варвара забеременела. Точно определить отцовство было невозможно. Девушка молила о выкидыше. Ребёнок родился здоровым, но император не проявил к нему интереса. Очень скоро ему надоела и молодая наложница. Варвара своего падения вынести не смогла. Девушка покончила с собой. Узнав её историю, Крамской вдохновился отчаянным положением фаворитки. В качестве «модели» он использовал изображение из медальона.

  • Ростовский мост — «родственник» Эйфелевой башни
  • Сентинельцы — злые первобытные люди XXI века
  • Почему в СССР обои клеили поверх газет?
  • Чем наши хипстеры отличаются от западных
  • Впечатления Дэвида Боуи от путешествия в российском поезде

Ночь: Аксел Вальдемар Йоханнессен, 1920

От полотна «Ночь» исходит ощущение безнадежности, безысходности, беспросветного мрака. Художник пишет ночь как время кошмаров, бредовых снов и галлюцинаций, время безграничного человеческого одиночества. Именно ночью человек осознает, что он — никто и ничто; вот основная идея живописца.

НочьАксел Вальдемар Йоханнессен

У каждого художника свое видение прекрасного и свое восприятие ужасного. Эти картины можно ненавидеть, но знать об их существовании необходимо. Возможно, один взгляд, брошенный на такое произведение искусства, заставит человека задуматься о важных вещах. Поэтому даже самые страшные картины в искусстве, несомненно, имеют право на существование. И чем дольше смотришь на них, тем больше понимаешь художника.

Детство и юность

Эдвард родился 12 декабря 1863 года в норвежском городе Лётен в семье Кристиана Мунка и Лауры Катрины Бьёльстад. У мальчика была старшая сестра Юханна София и две младшие — Игнер и Лаура, а также брат Андреас. Детство будущего художника проходило в переездах: отчасти из-за профессии Кристиана — военный врач, отчасти в поисках более дешевого жилья.

Эдвард Мунк и его сестра Ингер

Хотя семья Мунк жила бедно, к их роду примыкали влиятельные творческие личности. Так, дальним родственником был художник Якоб Мунк. Дедушка Эдварда запомнился миру как талантливый проповедник, а брат Кристиана, Петер Андреас – выдающийся историк.

Когда маленькому Эдварду исполнилось 5 лет, мать умерла от туберкулеза, и хозяйство на себя взяла ее сестра Карен. Кристиан, будучи человеком религиозным, после смерти супруги впал в фанатизм. Он рассказывал сыновьям и дочерям холодившие кровь истории про ад, и на почве этого Эдварду часто снились кошмары. Чтобы сбежать от тревожных видений, мальчик рисовал. Уже тогда его эскизы выглядели талантливо.

Эдвард Мунк

В 1877 году от туберкулеза умерла старшая сестра Эдварда, София. Молодой человек был с ней близок, поэтому тяжело воспринял утрату. Печальное событие стало причиной разочарования в вере. В дневнике Мунк вспоминал, что отец «ходил взад-вперед по комнате, молитвенно сложив руки», но это никак не помогало девушке выздороветь. Дни, проведенные с умирающей сестрой, позже отразились в картинах «Больная девочка» и «Весна».

Болезни так или иначе преследовали семью Мунк. Вскоре после кончины Софи еще одна сестра Эдварда, Лаура, начала странно себя вести. Она часто тревожилась, закатывала истерики, в другие дни сидела тихо и ни с кем не разговаривала. Ей диагностировали шизофрению.

Автопортрет Эдварда Мунка

Кристиан видел в сыне инженера, поэтому в 1879 году, в 16 лет, Эдвард поступил в технический колледж. Ему легко давались физика, химия и математика. Несмотря на успехи, спустя год молодой человек отчислился, решив стать художником. Начинания мальчика отец не поддерживал: он считал занятия творчеством пошлыми. Несмотря на протесты, в 1881-м юный живописец поступил в Королевскую школу рисования в Осло.

В 1883 году имя Эдварда Мунка впервые услышали в норвежском обществе. В качестве творческого дебюта экспрессионист представил «Этюд головы». С этого началось становление великого художника.

Хроники умирания в серии Фердинанда Ходлера

Швейцарский символист Фердинанд Ходлер, по утверждению биографов, был одержим женщинами и смертью. Еще в детстве он потерял всех своих близких и остался сиротой. Его мать умирала от туберкулеза на его глазах.

В 1908 году он познакомился с парижанкой Валентин Годе-Дарель, которая была на 20 лет моложе. В 1913 году у пары родилась дочь. В том же году Валентин диагностировали рак матки. Несмотря на то, что Ходлер был женат и имел связи с другими женщинами, он оставался с Валентин на протяжении всей болезни и до самого конца.

Фердинанд Ходлер, «Валентин Годе-Дарель в больнице», 1914 год

Ходлер создал серию из 62 живописных и графических работ, в которых безжалостно и натуралистично изобразил все этапы долгого и мучительного умирания своей любовницы. Подчеркнуто горизонтальный ритм его картин и рисунков несет в себе знак смерти. Сам художник говорил, что никто никогда не делал ничего подобного.

Фердинанд Ходлер, «Валентина Годе-Дарель на смертном одре», 1915 год

На следующий день после кончины Валентин Годе-Дарель Ходлер нарисовал ее последний портрет на смертном одре. Работа напоминает «Мертвого Христа» Гольбейна, которым так восхищался швейцарский художник.

Фигура подчинена строгому композиционному решению, на что указывает лежащая в основе карандашная сетка. Мрачные цвета и черный контур подчеркивают истощенность тела, измученного долгой болезнью.

Натурализм и сюрреализм Фриды

Для самой известной мексиканской художницы Фриды Кало тема смерти всегда была близка. Пережив страшную аварию в 18 лет, Фрида всю жизнь боролась с ее последствиями. Из-за полученных травм позвоночника и малого таза она потеряла нескольких детей, так и не сумев их выносить, плюс сама перенесла множество операций.

В работе «Мое рождение» 1932 года художница изобразила мертвую женщину, накрытую простыней, которая рожает девочку, напоминающую саму Фриду. Ребенок, выходящий из лона, кажется мертворожденным. В изголовье кровати висит икона с плачущей Девой Марией — матерью, потерявшей свое дитя.Эта отталкивающая и пугающая работа была навеяна двумя трагедиями в жизни художницы: в один год у нее случился выкидыш и умерла мать. Фрида закольцовывает образ: мертвое воспроизводит мертвое.

Фрида Кало, «Мое рождение», 1932 год

В 1938 году светская львица Клэр Бут Льюс заказала у Фриды портрет своей подруги Дороти Хейл, которая недавно покончила с собой, сбросившись с небоскреба.

Фрида хорошо знала как саму Клэр, так и Дороти — неудавшуюся актрису, вынужденную жить за счет друзей.

Живопись

В последующие годы Мунк неоднократно участвовал в выставках, но его работы терялись среди яркости оттенков и громкости имен художников. В 1886 году Эдвард презентовал дорогую сердцу «Больную девочку» и получил шквал негативных отзывов. В одной из местных газет появилась такая рецензия:

Поводом для критики стала видимая незавершенность работы и бесформенность. Молодого художника обвинили в нежелании совершенствовать технику и развиваться.

А Мунк считал «Больную девочку» своим прорывом. В качестве модели ему позировала 11-летняя Бетси Нильсен. Однажды она обратилась к отцу Эдварда за помощью — ее младший брат сломал ногу. Девочка была так взволнована и красива с раскрасневшимися заплаканными глазами, что юный живописец попросил ее стать натурщицей.

После жесткой критики Эдвард перестал быть искренним, его живопись неинтересна и чопорна. Спустя год, в 1889-м, он попробовал еще раз рассказать о сестре в картине «Весна». Создавая ее, Мунк выступил как импрессионист: можно увидеть, как колышутся занавески, и ощутить солнечный свет, льющийся из окна.

На полотне летнему дню противопоставлена тяжелая атмосфера, которая царит в комнате. Рыжеволосая девушка, откинувшись на подушку, с тоской смотрит на пожилую женщину, в ее руках лекарство. В одежде нет ярких тонов, скорее похоже на траурный саван. Чувствуется, что скоро к ним в двери постучит смерть.

В конце 1889 года, когда Мунк уехал на обучение в Париж, пришло известие о смерти отца. Художник впал в депрессию, оборвал связи с друзьями. Это событие стало одним из ключевых в творчестве экспрессиониста. Он написал тогда в дневнике:

В память об отце Эдвард написал картину «Ночь в Сан-Клу». В квартире, залитой ночным светом, у окна сидит человек. Современные искусствоведы видят в этом образе как самого Мунка, так и его отца, ожидающего смерть.

Картина Эдварда Мунка «Меланхолия»

Вернувшись на родину, художник начал работу над циклом работ, который позже получил название «Фриз жизни: поэма о любви, жизни и смерти». В нем Мунк хотел отразить стадии становления человека — от рождения до кончины. В цикл вошли ключевые произведения: «Мадонна», «Крик», «Танец жизни», «Пепел». Всего 22 картины, разделенные на четыре группы: «Рождение любви», «Расцвет и закат любви», «Страх жизни» и «Смерть».

Входит во «Фриз жизни» и картина «Меланхолия» 1881 года. Критики не приняли ее с восторгом, однако отметили, что Мунк обрел собственный стиль — яркие очертания, простые формы и полумрак, царящий во всех работах. Полностью цикл впервые был представлен в 1902 году.

Картина Эдварда Мунка «Крик»

В творчестве Эдварда Мунка насчитывается не одна сотня картин, но самой известной из них стал «Крик». В привычном издании на ней изображено человекоподобное существо, небо окрашено яркими оранжево-красными оттенками. Крик, вырывающийся из безгубого рта гуманоида, словно плавит пейзаж вокруг. Позади видны еще две фигуры. В своем дневнике Мунк писал:

Под впечатлением от увиденного в 1892 году художник написал картину «Отчаяние». На нем вместо распространенного существа изображен мужчина в шляпе. Спустя год Мунк набросал пастелью гуманоида, затем нарисовал его же маслом. Позже к этим версиям добавились еще две. Особо популярной является изображение 1893 года, которое хранится в Национальном музее в Осло.

Картина Эдварда Мунка «Отчаяние»

Искусствоведы нашли место, где Эдвард мог увидеть картину. Интересен факт, что раньше вблизи этого места располагалась крупнейшая в Осло скотобойня и психбольница. Исследовательница творчества Мунка отметила:

Отсюда, вероятно, и взялся «бесконечный крик, пронзающий природу».

Картина Эдварда Мунка «Созревание»

1894 год ознаменовался появлением двух работ — «Созревание» и «Девушка и смерть». Обе картины совмещают в себе контрастные явления. Так, в «Созревании» над юной, хрупкой, испугавшейся своей наготы девочкой нависла черная, пугающая тень.

Картина Эдварда Мунка «Девушка и смерть»

В произведении «Девушка и смерть» пышнотелая красавица целует скелетообразную смерть, принимая ее как лучшего друга. Такое противопоставление характерно для модерна.

Мунк создавал картины в разных жанрах: портрет, пейзаж, натюрморт. В поздний период его творчество стало грубым, а сюжеты — простыми. Чаще на его полотнах появлялись крестьяне и поля.

Описание и анализ картины

В центре картины красивая девушка с восточными чертами лица

Девушка одна, едет в двухместной карете, на то время это считалось неприличным.

Высокомерный взгляд девушки показывает превосходство над остальными.

Вся одежда подобрана по последним тенденциям моды того времени.

С левой стороны картины виден Аничков Дворец.

Александринский театр

Мне нравится30Не нравится11

«Неизвестная» стала центром выставки в Императорской Академии, где её в первый раз увидели зрители

Она сразу же привлекла всеобщее внимание. Однако впечатление было противоречивым

Некоторые критики расценили картину как вызов, который был направлен против общественных устоев. Многие сочли, что автор изобразил очень дорогую куртизанку. Почему же? Ведь на картине нет изображения обнажённого тела или ещё чего-либо, подразумевающего разврат и отсутствие морали.

Девушка, сидящая в роскошном экипаже, очень красива. У неё нежное, чуть смугловатое лицо с мягким румянцем. Красота её необычна для России: незнакомка, скорее, похожа на восточную женщину. Тонкие, изящные черты, яркие, чувственные губы, соболиные брови и большие чёрные глаза, обрамлённые роскошными ресницами, делают её схожей с героиней сказок «Тысячи и одной ночи».

Но не это вызвало возмущение у многих зрителей. Согласно этикету, в те времена молодой женщине из приличного общества не пристало ездить в экипаже по улицам одной. А эта обворожительная красотка:

  • гордо восседает в двухместной коляске в одиночестве, ничуть не смущаясь, совсем напротив;
  • удобно откинулась на спинку сиденья и держится так, словно принимает просителей в своём собственном салоне;
  • смотрит высокомерно, будто демонстрирует собственное превосходство.

Дамы высшего сословия не позволяли себе ничего подобного, поэтому и нашлись противники этой прекрасной картины, среди которых оказался даже Павел Третьяков. Прежде он с большим интересом относился к творчеству Крамского, ему очень нравились созданные им портреты. Он с удовольствием приобретал их для своей галереи. Но «Неизвестная» вызвала возмущение.

Многие зрители, увидев картину, решили, что автор изобразил даму полусвета. Об этом, по их мнению, явственно говорит роскошный наряд девушки. Все предметы её туалета очень дорогие, подобраны с самым тонким вкусом, и полностью соответствуют последним модным тенденциям того времени.

Чего стоит один головной убор – небольшая шляпка из чёрного бархата с синим оттенком, украшенная слегка завитыми белыми перьями страуса и крупными жемчужинами. Художник изобразил их необычайно точно. В то время это был самый модный «Франциск». Он очень к лицу этой надменной красавице.

Впрочем, вся одежда героини модная и дорогая. Отделанное соболиным мехом и лентами синего атласа манто «Скобелев», перчатки из тонкой кожи, меховая муфта – каждая вещь словно громогласно заявляет о том, что прекрасная дама имеет немалые средства. Это особенно подчёркивает золотой массивный браслет на запястье. Одно лишь такое украшение стоит целое состояние. Словом, девушка выглядит как образец моды, стиля и красоты.

Именно поэтому зрители и решили, что она не светская дама, а, скорее, содержанка какого-то богача, либо просто кокотка. Настоящие потомственные аристократки в те времена выглядели иначе. Дело в том, что капиталистические отношения набирали обороты. Представители дворянства постепенно беднели. А вот всё больше выходцев из народа, которые пополняли купеческое сословие, создавали себе состояние и всеми силами стремились демонстрировать собственное богатство, наряжая своих женщин в самые роскошные туалеты и украшения.

В аристократическом обществе тех лет было принято придерживаться некоторой старомодности. Настоящие благородные дамы не могли позволить себе тратить на дорогие наряды значительные суммы, а уж тем более – на драгоценности. Поэтому и распространился такой стиль, который отличал истинных представительниц высшего света. «Модными» у них были сдержанность, неброскость и скромность. Они сознательно стремились несколько отставать от последних новинок, даже если имели возможность приобрести их. Что касается дорогих украшений, то их количество, согласно этикету, должно было быть минимальным. Выставленная напоказ роскошь негласно считалась дурным тоном.

Потому современники Ивана Крамского были убеждены в том, что на портрете он изобразил даму, не слишком обременённую нормами морали.

Личная жизнь

Эдвард Мунк не был женат и не имел детей, однако известно о 3 его романах.

В 1885 году он познакомился с Милли Таулов. Девушка была замужем, поэтому не принимала ухаживаний молодого человека всерьез, но и не отвергала их. Эдвард же относился к влюбленности серьезно: для него закрутить роман с замужней женщиной означало переступить все религиозные преграды. Так и не получив взаимности от Милли, Мунк отказался от идеи завоевать ее.

Станислав и Дагни Пшибышевские

В 1892 году художник познакомился со Станиславом Пшибышевским, поляком по национальности, и его будущей супругой Дагни Юль. Девушка стала для Мунка музой, он неоднократно использовал ее образ в картинах. Исследователи допускают возможность, что между молодыми людьми была любовная связь.

Самым болезненным стал роман с Туллой (Матильдой) Ларсен, начавшийся в 1898 году. Поначалу их отношения складывались хорошо, затем женщина начала утомлять Мунка навязчивостью. В 1902 году она почувствовала холодность любимого и пригрозила самоубийством. Испугавшись, Эдвард приехал к ней.

Тулла Ларсен и Эдвард Мунк

Спустя несколько дней между ними произошла ссора, в результате которой Мунк прострелил себе руку. Согласно распространенной версии, Тулла хотела застрелиться, а художник в попытках вырвать револьвер нажал на курок. Мужчину госпитализировали, и на этом отношения завершились.

До самой смерти в личной жизни Мунка не появилась любимая женщина.

Контекст и тайный смысл

Основная идея произведения «Три возраста женщины и Смерть», которую картина пытается донести до зрителя – неизбежность судьбы и недолгий век красоты и молодости. Картина «Три возраста женщины и Смерть» несет в себе мотив, типичный для Возрождения – эпохи, которая тяжелее других переносила мысль о потере юности, свежести и красоты.

Но старуха и девочка видят Жнеца – Ханс Бальдунг показал их двоих олицетворением неумолимого течения времени. Полотно «Три возраста женщины и Смерть» содержит несколько важных символических деталей, доносящих до зрителя его скрытый смысл:

  1. Песочные часы в руке скелета – знак времени и неизбежной судьбы.
  2. Полупрозрачная шаль – деталь, объединяющая все четыре фигуры композиции «Три возраста женщины и Смерть», подчеркивает едва уловимую, но крепкую и нерушимую связь времен.
  3. Зеркало – символ самолюбования и тщеславия, присущего красавицам. В работе «Три возраста женщины и Смерть» Ханс Бальдунг напоминает, что не стоит уделять столько внимания недолговечной красоте.
  4. Красное яблоко у ног девушки – аллегория соблазнов, преследующих молодость, о которых придется пожалеть в старости.

Картина «Три возраста женщины и Смерть» призвана настраивать на размышления о ценности жизни, о том, что в ней действительно важно, а что – скоротечно и потому не так значительно, как может показаться на первый взгляд. Полотно «Три возраста женщины и Смерть» напоминает о неизбежном не для того, чтобы напугать

Ханс Бальдунг хотел, чтобы люди задумались о том, как правильно распорядиться тем временем что им дано и не тратили его впустую.

Оцените статью
SHUMOR
Добавить комментарий